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#ProyectoDestape multidisciplinario, local y global a la vez

In Paladar mostaza on 12 octubre, 2012 at 1:00 PM

A principios de 2012, Gamba FM 106.3, Maya Estudio y el sitio web Mocena iniciaron un proyecto que busca trascender los límites de diferentes disciplinas, limar asperezas de la escena local y cruzar las fronteras de la distribución musical. El #ProyectoDestape demuestra desde Córdoba como la unión entre medios tradicionales, nuevas plataformas, estudios de calidad, artistas y nuevas alternativas de difusión o distribución pueden lograr el valor agregado que la escena necesita.

Básicamente se eligió una lista muy ecléctica de canciones de rock nacional, en su mayoría hits olvidados de los ’80 y los ’90 y se convocó a 15 bandas locales -de los perfiles artísticos más variados-. Si bien desde la emisora lo que se propone es empezar a darle rotación a una versión hecha por las bandas locales, el proyecto se completa con un ciclo de fechas en vivo para que las bandas difundan su repertorio completo. A su vez, nosotros desde Negro&White intentamos contemplar también la vida de las bandas más allá de este episodio en particular, conversando con cada una de ellas y estimulando a que se conozca  a partir del #ProyectoDestape todo lo que hicieron, hacen y harán como artistas.

En tal sentido, desde nuestro lado quedamos muy conformes con el hecho de poder conversar con cada una de las bandas que nos abrieron las puertas de sus ensayos y se animaron a compartir un momento. Creo que el camino está iniciado en términos de que bandas, medios, discográfica, estudio y demás protagonistas entendamos nuestros roles y vayamos juntos hacia un lugar que nos complazca a todos además de que nos sirva.

En Gamba rotarán las nuevas versiones que a su vez la gente del mundo puede comprar en Mocena y disfrutar la calidad que Maya Estudio les dio. En Negro&White también podrán escuchar y conocer un poco más de cada banda.

La música es el eje, “la intención era brindarles a los artistas locales una experiencia integral: trabajar un tema, grabar en un estudio profesional, poder vender su obra a cualquier parte del mundo y terminar con presentaciones en vivo“, comenta Federico Mezza de Gamba FM. La intención es que el #ProyectoDestape  se repita cada año e impulse la escena local, con un espíritu muy claro que rodea la unión. Gamba en particular es la FM con mayor crecimiento de los últimos años y desde 2012 apuesta mas fuerte que nunca a Internet y lo Mobile. Para eso habilitó 5 radios temáticas online y desarrolló sus Apps.

Se buscó un lugar con experiencia y calidad para tomar una iniciativa como esta y se optó por Maya Estudio. Fundado en 2005 como un estudio de grabación de música, actualmente es una productora que abarca diversas áreas de producción de sonido; publicidad, videos juegos, audio visual. “Proyecto Destape nos hace pensar que el pop-rock puede alcanzar un gran nivel de desarrollo, apostamos a eso y este es un paso importantísimo para la industria de la música local, percibimos que las empresas están empezando a tomar conciencia de esto“, nos cuentan desde el Estudio creado por Luis Primo,Gabriel Cabrera y Bernardo Fourcade.

Federico Guevara nos cuenta que “Mocena nace desde la inquietud que tiene todo músico al evaluar la realidad de su entorno artístico, de sus posibilidades y de la capacidad de supervivencia de su arte“, esta premisa emprendedora empapa todo el proyecto y es un poco el hilo conductor del mismo, “quienes creamos Mocena, como músicos que también somos, seguramente llegamos a la misma necesidad como conclusión“.

Es que la filosofía en torno a #ProyectoDestape  es fortalecer una alternativa desde la propia industria musical, demostrando que el cambio comienza con los artistas, se comprende con la difusión y puede llegar al público por nuevas vías. “Digamos que todos nos embarcamos en la construcción de una “industria” de la música local, cada uno desde su lugar. Cuando una banda decide meterse a un estudio de grabación y llevar adelante la producción de su música está ejecutando el cambio desde una acción artística; lo que falta es el entorno para que esa música circule y el espacio que la valore como tal. Para ello es necesario que los artistas comprendan cuál es su rol dentro de este nuevo paradigma“.

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Inspiradores videos de TEDx Córdoba

In Exclusivos, Pasiones on 26 octubre, 2011 at 9:01 AM

TEDx Córdoba dejó emociones, reflexiones y a miles de inspirados por magníficas ideas. Con tonada cordobesa y detalles internacionales se vivió una jornada que tuvo entre sus oradores a científicos, artistas y empresarios, pero por sobre todas las cosas a soñadores. Innovadoras ideas que invitaron a re pensar nuestra sociedad, recuperar la risa, nunca abandonar el esfuerzo, entender el sacrificio y conservar la humildad.

Aquí los videos de cada una de las charlas y les recomiendo que lean lo que generó cada uno de los expositores en el público en esta nota colaborativa de Negro & White, donde colaboraron @DeniseMazmanian, @ElenaBrizuela, @LeonardoMBaez, @MarceloCZarate, @MaruLuciani, @Rocamundial y más. (ver nota)

Acá la lista de reproducción de todas las TED Talks en el canal de TEDx Córdoba en YouTube.

Y pronto vendrán más. Les recomiendo esta nota colaborativa de Negro & White, donde colaboraron @DeniseMazmanian, @ElenaBrizuela, @LeonardoMBaez, @MarceloCZarate, @MaruLuciani, @Rocamundial y más. (ver nota)

La vida y las vueltas, viendo Ismael Serrano

In Paladar mostaza on 27 junio, 2011 at 7:24 PM

La vida no escoge cuando cantar, la vida apenas nos puede proponer letras pero nunca escoger nuestro ritmo favorito. Vuelvo a ver Ismael Serrano y miles de versos danzan en la mente mientras la vida pierde las riendas del ritmo al que danzan los recuerdos. Acuérdate de vivir.

Volví a ver un recital de Ismael Serrano. Esta vez ambientado de entre casa, como en una reunión íntima con amigos y una audiencia de polizones cautivada en la tranquilidad que contagia el cantautor en su versión acústica. Tuve la sensación de que me dijo: Acuérdate de Vivir.

Pueden leer mi nota completa sobre el recital en Negro&White

 

Norah Jones tocó en Argentina

In Paladar mostaza on 11 noviembre, 2010 at 8:44 PM

Pocas artistas inmortalizan suspiros con su tranquilidad al sonar. Norah Jones llegó a mi vida con sus discos hace ya varios años y recurro a ella cada domingo que me invita a llorar o esos momentos en los que la ciudad enmudece para escucharla susurrar junto a su piano. Acá les comparto una crónica del show de Diego Fischerman.

Con su voz, siempre un poco neblinosa y distante, y su manera de interpretar con tímido desgano, la exitosa vocalista logró poner un sello propio a un repertorio ecléctico que incluyó aromas de jazz, country sureño y cierto pop indie.

La distancia entre Come Away with Me, su exitosísimo primer disco, y el último, The Fall, que durante todo este año presentó en vivo y como parte de cuya gira actuó en Buenos Aires, podría leerse como el viaje de Norah Jones entre dos ciudades. O, más bien, entre dos mundos estéticos: su Brooklyn natal y los suburbios de Fort Worth, en Texas, donde creció.

Como la travesía desde cierto cosmopolitismo atravesado aunque más no fuera por el aroma a jazz de algunos acompañamientos de piano hasta el country sureño y sus desviaciones hacia cierto pop indie. Las armonías vocales, con la exacta complicidad de Sasha Dobson, la guitarra de Smokey Hormel –que durante años tocó con Johnny Cash– y un repertorio que en más de una ocasión se acerca a las rancheras fronterizas, sitúan el mapa actual, en todo caso, mucho más cerca del Río Grande que del Hudson.

Con flequillo, pelo y vestido cortos y un aire de adolescente de rebelde fragilidad, Jones llegó con una banda impecable –todos sus integrantes tocan en el disco– y lujosa en cuanto a sus recursos tímbricos.

Los cambios de guitarras casi permanentes (ejecutados con precisa y rápida coreografía por asistentes que entraban al escenario como sombras, casi entre tema y tema), un arsenal de teclados que incluyó, además de sintetizador, un armonio manual, piano, piano eléctrico y piano de juguete, un vibráfono que fue utilizado sólo en un tema y una guitarra nacional (con caja metálica) que hizo su entrada para una ronda de bises unplugged, más el contrabajo que en ese mismo set reemplazó al bajo eléctrico, dieron notable variedad al concierto.

Antes de la entrada de Jones, su antiguo colaborador Jesse Harris, compositor de la famosa “Don’t Know Why”, acompañado de un percusionista, actuó durante media hora, en que presentó una serie de canciones demasiado parecidas a las de Paul Simon, aunque cantadas con menos afinación y sentimiento. Después llegó su mentora y, desde el coqueteo con el reggae de “Tell Yer Mama” hasta el aire a Tom Waits (o a Kurt Weill) de “Sinkin’ Soon”, de su disco Not Too Late, o la cercanía con el bluegrass de “Creepin’ In” que había grabado junto a Dolly Parton en su segundo disco, Feels Like Home, pasando por los riffs à la hard rock de canciones como “Chasing Pirates” –que en gran medida recuerda a la estética del grupo Wilco–, mostró la que tal vez sea su mayor virtud: lograr que su voz, siempre un poco neblinosa y distante, y su manera de interpretar con tímido desgano se impongan al eclecticismo y logren poner un sello propio a todo lo que hace.

La guitarra de Hormel, por momentos cercana en el sonido a la Mark Knopfler en el primer Dire Straits, y la batería de Waronker, que tocó con R.E.M, entre otros, tienen una responsabilidad central en el perfil del espectáculo.

Jones gradúa con precisión el paso de las canciones más enérgicas a las más íntimas y sus momentos con la guitarra o con el piano, así como también esos pequeños toques de color dados por el vibráfono o el piano de juguete. El público, que llenó el Luna Park y la trató con devoción, festejó los viejos éxitos, como “Don’t Know Why” o “Come Away With Me”, pero también nuevas canciones como “Young Blood” o la exquisita “December”.

El gesto de reencuentro (o reivindicación) del folk, que tuvo uno de sus momentos de eclosión con “Cry, Cry, Cry”, de Johnny Cash, se explicitó incluso en la actitud y la disposición en el escenario en los bises finales. Allí, como en una antigua audición radial, el grupo entero se situó alrededor de un único micrófono multidereccional, cantando a varias voces con el acompañamiento de guitarra nacional, contrabajo, armonio y cajón. Un viaje en el espacio, hacia las raíces rurales, pero también en el tiempo, recreando con recogimiento un viejo sonido olvidado.

Fuente: Página/12

Imaginar junto a Lennon todavía emociona

In Exclusivos, Paladar mostaza on 11 octubre, 2010 at 8:29 PM

Por Ruben Ramirez

Esta semana que pasó se cumplieron setenta años del nacimiento de John Lennon y a pesar de su temprana y trágica  desaparición, aún  parece que estuviera entre nosotros, o al menos entre los mayorcitos que vivimos y crecimos junto a él. Son de esas vidas que dejan tanto para los demás, que es mucho para una sola.

Aquel Lennon que nació hace setenta años en los inicios de una Guerra Mundial que por esos días bombardeaba Londres  por los alemanes y que  por supuesto lo debe haber marcado a fuego, de allí su lucha permanente por la paz, un verdadero militante de esta causa y no solo una pose.

Por aquellas épocas un niño abandonado por sus padres y dado en crianza a sus tíos, perdiendo de adolescente a su madre en un accidente de tránsito, y a la que solo después de muchos años en su carrera solista compone un tema “Mother” dedicado a ella casi como una catarsis y que aún hoy resulta emocionante revisar la actuación  en vivo en un recital que él dio en el Madison Square Garden de Nueva York, en la que prácticamente grita, implora la palabra del título de la canción, como en un tardío reencuentro.

Si  estuviera entre  nosotros y después  de setenta años le seguiríamos agradeciendo tantas e inolvidables canciones junto a Mac Cartney o en su etapa solista.

Seguramente nos seguiría sorprendiendo con sus ironías, como cuando con su famoso cuarteto en un recital a la que asistía la realeza británica dijo “para nuestra siguiente canción me gustaría pedir su ayuda, los del gallinero pueden aplaudir, el resto de ustedes basta con que hagan sonar sus joyas”.

O como cuando dijo en una entrevista “el cristianismo se irá, se desvanecerá y reducirá su tamaño, somos mas populares que Cristo” en referencia a The Beatles, cuestión que si bien pasó desapercibida en Inglaterra, en Estados Unidos provocó un escándalo tremendo, con los miembros del Ku Klux Klan junto a los ultracatólicos quemando discos del cuarteto y convocando a que todo el país lo hiciera.

Que decir de un tipo que se enamora por aquellos años de Yoko Ono en los que las parejas interraciales no eran frecuentes como hoy estamos acostumbrados a verlos. Una  verdadera lección de amor  a la que él le rinde culto todos los días de su vida.

Recuerdo perfectamente cuando junto a Yoko,   desnudos sobre una cama de algún hotel de Nueva York,  convocaron a los periodistas para proclamar que le dieran una oportunidad a la paz oponiéndose  firmemente a la guerra en Vietnam, cantando “Give Peace a Chance” una canción que llegó a inquietar al por entonces gobierno de Nixon que varias veces pretendió expulsarlo de Estados Unidos.

Un tipo violento y golpeador de sus mujeres y que se reconoce como tal y cambia llegando a escribir una de las primeras canciones feministas en serio “Woman is the nigger of the word” que hablaba acerca de los derechos de las mujeres, utilizando para la canción el despectivo término “nigger” para poner en ese mismo lugar el desprecio que todavía el mundo mostraba por las mujeres.

Ni que hablar del himno por el creado “Imagine” al que para comprender su profundidad solo basta su traducción literal:

Imagina que no hay cielo,
es fácil si lo intentas.
Ningún infierno bajo nosotros,
por encima de nosotros solo el cielo.
Imagina a toda la gente,
viviendo para el día de hoy.

Imagina que no hay países,
no es difícil de hacer.
Ninguna por lo que matar o morir…
y ni la religión tampoco lo justifica.
Imagina a toda la gente,
viviendo la vida en paz.

Tú podrías decir,
que soy un soñador,
pero no soy el único.
Espero que algún día te nos unas
y el mundo vivirá como uno.

Imagina que no hay posesiones,
me pregunto si puedes.
Ninguna necesidad de codicia o hambre,
una hermandad del hombre.
Imagina a toda la gente,
compartiendo completamente el mundo.

Ustedes podrían decir,
que soy un soñador,
pero yo no soy el único.
Espero que algún día se nos unan

La verdad, todavía me emociono escuchando esa canción y todo su legado por lo que no hay mucho mas para agregar solo, ¡gracias por haber nacido John!.

Viajando con Victor Pintos por la historia musical Argentina a 200 latidos por segundo

In Cobertura iPhone, Exclusivos, Paladar mostaza on 9 agosto, 2010 at 12:49 PM

Victor Pintos es de esas personas a las que no podes dejar de envidiar. Por haber estado a un grabador de distancia con BB King, por estar en una sola foto con Charly García, Nebbia, Calamaro, Gieco y Spinetta o por haber estado en el estudio junto a Mercedes Sosa y Goyeneche. 200 latidos es la conferencia multimedia en la que cuenta la historia de la música popular Argentina.

Victor Pintos en la Universidad Siglo 21

Como un disco que gira por primera vez desparrama por el auditorio, de la Universidad Siglo 21, su sabiduría popular, esa que convierte al empirismo en el arte de compartir los momentos justos con genios musicales.

Rock del inicio al fin sonando, Ciro y su armónica acribillan con el himno y las imágenes del siglo político argentino invitan al viaje a canosos y pibes iPods por igual. Con 200 años de vida este país posee raíces muy variadas en su música popular y Victor Pintos puede ser el mejor guía para recorrerlas. (Ver CV)

Somos el país envidiado por el fútbol y nuestra música, somos el país de Yupanqui, Charly, la Negra Sosa, Pichuco, Gardel y cuantos mas. Cuantos países darían mucho por uno.
Hagamos este viaje por el tiempo de la música y que sea un festejo.
La intro se termina y los artistas salen a escena.

Se ve a Atahualpa Yupanqui “arrimando coplas a tu esperanza, tierra querida” y en una entrevista donde define que somos una “selva de guitarras al servicio de la Argentina”.

Además en ese video inicial aparecía junto a su orquesta Aníbal Troilo y León Gieco “cantando de esos hombres de hierro que no escuchan” pero alentándonos que “los pensamientos quedaran”.

Las luces del escenarios se vuelven a entibiar y Pintos no duda en colocar a Yupanqui como el padre del folclore nacional y si te interesa saber mas sobre esto te ofrezco un capítulo para descargar del libro de Memorias escrito por el mismo periodista.

A Pichuco directamente lo calificó como nuestro Coltrane o Miles Davis mientras que León apunta a ser nuestra voz hoy que partió nuestra Pachamama Mercedes Sosa. Estos artistas tienen sus raíces muy lejos en el tiempo, porque la música en este país nació entre aborígenes en la profundidad de una montaña o en Santiago del Estero con Francisco Solano enseñando el violín

Recién después de Gabino Ezeiza empezaron a quedar testimonios grabados, primero fue en un cilindro, despues el disco de pasta y posteriormente el vinilo (que no son lo mismo). Las vitrolas tenían una bocina muy grande a cuerda o manivela y eran las que hacían sonar los discos de pasta en la primera mitad del siglo XX.

Pintos pone play a la vitrola y escuchamos un fragmento de un Carlos Gardel desde la pasta que lo vuelve un Zorzal mas débil, sumamente quebrado y trágico en su sonido. Entonces explica que estos dinosaurios tecnológicos usaban un clavo literalmente, que se desgastaba despues de unos discos y que si te pinchabas te sangraba el dedo como también sucedía con los discos.

Atahualpa Yupanqui grabó en pasta y después en vinilo ya en los años 50 donde se transforma el país, porque con la llegada del Peronismo se comenzó a tener una noción mas total del país. A Buenos Aires llegó mucha gente del interior por trabajo formando el conurbano, esa gente llevó su música y por eso el folclore empezó a ser popular. Esto coincide con que desde los años ’20 en la radio se posicionaban los programas que transmitían desde los auditorios en vivo, con orquesta y locutor.

Quizá el prototipo de artista que se hace masivo llegando desde el interior sean Los Chalchaleros, que desde Salta marcaron los años ’50 y ’60 con su postura, manera de vestir y hasta de entonar. Las luces Off y los emponchados a cantar para que Pintos aclare despues que no era un video clip sino una película (Argentinisima 1 de 1972), porque la Televisión no era masiva y en el cine era que los artistas populares cobraban movimiento, porque solo se conocían las fotos de la revista Folclore o como la secuencia de goles en El Gráfico.

Así como Los Nocheros provienen de Los Chalchaleros; en el rock vemos que La Renga tiene de Pappo, el germen o ADN en su origen; y de Horacio Guarany viene el Chaqueño Palavecino.

Guarany fue comunista hasta los huesos y terminó haciéndose amigo de Menem por tomar el mismo vino, pero en su momento fue muy censurado y dio la cara por las clases populares. Hoy ya no es “el potro”, como se lo conocía popularmente antes de Rodrigo, cuando movilizaba multitudes mas que nadie y producía un fenómeno comparable al del Chaqueño hoy.

Todo esto sucedía, cuenta Pintos, en un tiempo en el que no sé como nos aprendíamos las letras y las canciones, porque hoy lo bajás todo de Taringa y lo llevas en el iPod, un CD en el auto, etc; pero antes nos juntábamos con un amigo y escuchábamos con atención porque no nos lo podíamos llevar a ningún lado.

Primero aparecieron unos lavarropas que grababan a cinta y despues llegó el popular grabador portable Geloso, que Pintos tiene en la mesa y limitado por la falta de salida de línea, nos hace escuchar un recitado del poeta salteño Jaime Davalos. Se pensaba que todo el folclore venía de Salta y se vivía su boom en los ’60 cuando todavía no había explotado el rock mas allá del paso de Elvis.

Pintos muestra el Geloso

Entonces en una sociedad donde los pibes usaban el pelo corto, pantalones de hilo, mocasines, chomba y escuchaban folk; desembarcó una nueva ola comercial que reclutó pibes y se les dio un look y repertorio para formar el Club del Clan.

Había necesidad de cantar folk y se agotaron las guitarras en venta del país, porque con chomba planchada y hasta con un bombo lograbas por lo menos que las chicas hablen con vos. En ese momento entonces, la música de las sirvientas fue el Chamamé que equivocadamente desprestigiado, era polca europea y con aporte negro.

Entonces un video testimonio muestra a Tránsito Cocomarola, que fue el Troilo del género y que inventó el riff del chamamé, bajo un rancho de paja al sol con una pareja danzando y jinetes que miran sin bajarse del caballo tan tranquilos como los animales recostados. Años después Kilómetro once fue el tema mas aplaudido de la gira europea de Gieco en Alemania, porque les era en un punto familiar.

Ya en ritmo y buena dosis de latidos, Victor Pintos comenta que charlando con el Chango Spasiuk y Raly Barrionuevo, coincidían en que estamos siendo injustos con Jorge Cafrune, que sin dejar de ser tradicionalista era zarpado en sus letras. Fue censurado desde épocas de la Triple A, se exilió en España y volvió en el 1977. En enero del ’78 en Cosquín, se comentaba que Zamba de mi esperanza era políticamente incorrecta, los militares desde la platea rezongaron y poco después emprendió una travesía a caballo que lo llevaría a Yapeyú, lugar de nacimiento del libertador San Martin. Esa noche un auto lo embistió y mató.

Volvemos al viaje y Cafrune en Humahuaca aparece envuelto en caras jóvenes y soleadas, le pasan la guitarra y abrió el silencio. Cante nomas cante señor, beba el vino. Con su barba acariciando las curvas de esa encordada.

El tango, exitoso en los ’40 y ’50 había caído en un pozo del que lo rescató Piazzolla y Ferrer mas la camada joven encabezada por un artista cordobés que marchó al silencio: Rubén Juárez. Merecedor de un homenaje que se demora y espero que llegue porque está entre los 5 mas grandes cantores del tango de la historia. El único en el mundo que cantaba y tocaba el bandoneón.

Ver capítulo imperdible de Rubén Juarez – Encuentro en el estudio con Lalo Mir

Juárez convivió como artista de los años ’70 con lugares en Bs. As de veladas antológicas, como era Caño 14 en calle Talcahuano. En el video que muestra Pintos, único registro fílmico de ellos tocando en esta boite, se escucha la cena interrumpida por un flaco Goyeneche de pañuelo-corbata y bigote fino, con el gordo Pichuco sentado al lado ya con las alas posadas en su espalda. Suelto del infierno brama el Polaco la “Garúa” que compartían.

En Pueyrredón y Juncales pasaba lo mismo con “La Cueva” donde se encontraban Litto Nebbia, Miguel Abuelo y Sandro con un micro escenario y sin micrófono. El de Valentín Alsina empezó con rock al mejor estilo Elvis, contorneado todo de cuero mientras los demás pibes vestían mocasines. Era medio grasa pero estaba bárbaro, era muy provocativo y con sensibilidad para hacer hits.

En el video Sandro sale completamente de Elvis en Tv, desenfrenado de todo negro tirado en el piso y con fiebre en sus piernas. Después en una terraza suena La balsa de Los Gatos. Acá comienza la historia del rock Nacional, con ropa de color, las flechas y el Sótano Beat con mujeres en minifaldas.

Pintos junto a su mesa de reliquias en 200 latidos

Durante esa década del ’60 ya existía el vinilo pero en los diarios no estaba la música, era impensado que suceda como ahora que Coky Ramirez pasa 15m en el programa de Tinelli y el diario La Voz del Interior le dedica tres páginas. La primera revista, antecesora de la Pelo (’70), se llamó PinAp y que salió en 1968 con Sandro en la tapa y una polera rosa muy pop, Pintos en el escenario la muestra intacta y hojea las notas a los Rolling Stone y Los Gatos.

Pintos controla la sala y muestra la propaganda de Discofonic Toca Toca a pila que se las consumían a los 3m del picnic. Existía el Combinado porque tenía toca discos vinilos y radio; y también el WincoFon, en un mercado donde se vendían millones con fenómenos como el de Leonardo Favio con “Fuiste mía un verano” o la “Balada para un loco”, o aquellos que mas vendían como Los Chalchaleros, Palito Ortega y Sandro.

Desde el escenario muestra el disco vinilo debút de Gieco, Troilo for Export (grabado con sistema stereofónico) y el primer disco de Mercedes antes de firmar con Polygram.
Descubrimos el sonido del Winco con un vinilo de Spinetta con Pescado Rabioso (su formación posterior a Almendra) Si la púa pegaba mal se rayaba y nos aprendíamos las canciones con los saltos y cambiadas.

Primer disco de Vinilo de Gieco

Pappo joven

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Pappo fue una gran perdida, porque de pibe desde la Paternal apareció con una destreza impresionante para formar parte de la banda de Miguel Abuelo, que había leído Leopoldo Marechal y jugando con la frase “padre de los piojos” fundó su banda Abuelos de la nadaNorberto Napolitano llegó a lo mas alto del mundo con su música y en el video aparece joven, a comienzo de los ’70, Con el pelo cubriendole la cara y solo siendo una nariz que con los años pareció achicarse en un cuerpo que se volvió de gigante.

Entonces ¡Vuelve Perón! De puerta de hierro y luche y vuelve a la masacre de Ezeiza y la patria socialista que no fue. Los arreglos con Lanusse, Cámpora al gobierno y Perón con el poder hasta que se muere en 1974 y queda Isabelita de Presidente con el siniestro Lopez Rega. La situación empeoró y con el golpe militar de marzo del ’76 se hizo la noche de verdad.

La música tuvo sus exiliados y se los borró de la radio. Caímos en un cono de silencio, sin leer libros ni escuchar discos, aunque mas terrible fue para esos miles que no pudieron sobrevivir de las tinieblas. También hubo mucha gente canalla que hizo negocio con la música popular y mientras unos estaban censurados otros vendieron. Solo hace falta ver la programación del Festival de Cosquín del 78-79 para descubrirlos.

Victor Heredia fue uno de los que resistió dentro del país, mas allá que desapareció su hermana Maria Cristina, se quedó con sus padres.Él escribió una carta y la empezó a tocar en la primera Trastienda en Palermo (algo así como Tonos y Toneles), lo que sería un Informe de la situación sumamente arriesgado a principio de los ’80.

Pintos dedicó un párrafo a lo que es vivir con la censura, que fue derrotada igualmente con canciones nobles. Si la palabra libertad aparecía en una letra se censuraba igual que paz, revolución y esperanza. Hasta la portada del disco Durazno sangrando de Invisible fue censurada.

Si hablabas sobre instituciones te censuraban y Sui Generis pensó en hacer un disco llamado Instituciones que terminó siendo “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones“. Por supuesto que no se editó el tema Botas Locas que fue al archivo de la censura, aunque se la cantaba en los conciertos despedidas de 1975.

La anécdota cuenta que Sui Generis fue en agosto a Uruguay y cantaron “Botas Locas” desconociendo que en el país oriental ya habían dado el golpe militar también. Obviamente todos marcharon presos, uno a uno los integrantes de la banda fueron interrogados hasta que le llegó el turno a Charly García a quien como autor de la canción le preguntaron acerca de la frase “Si ellos son la patria yo soy extranjero” a lo que García, aprovechando lo mal que se escuchaba la grabación – prueba militar, desmintió diciendo que la frase era Si ellos son la patria yo me juego entero” y logrando así ser liberados.

Empezando a cerrar, recurro a un extranjero: Luca Prodan

Luca habla reconociendo que al llegar no hablaba castellano y lo nacional le parecía ridículo, aunque Manal le gustaba, Spinetta le parecía rebuscado en sus letras, decía que Soda Stereo la hizo bien aunque no compartía el maquillaje, de Virus no le gustaba nada y ni hablar de Miguel Mateos. El Musico es sentirlo adentro y no querer ser Musico.

Sobre el tango dirá que no le gusta porque el hombre trata mal a la mujer como macho y después la llora, se toma y le canta. Del Chamame opina Prodan que es música centro europea y la chacarera que le gusta mas y hasta la cumbia que mas allá de tener una imagen grasa es divertida, como el cuarteto que lo hacía reír siendo para emborracharse y pasarla bien.

Victor Pintos se despide del escenario dejando una exquisita sensación, esa que el turista siente al unir bellos paisajes con historias, imágenes y sonidos. En sus últimas palabras en el escenario lamenta que Cerati esté mal, marca el debut solista de Ciro, dice que Gieco demora su novedad, Fito sigue activo y hasta elogia a Pedro Aznar y Luis Salinas.

Concluye que hay muchos artistas, pero la Tv lo ultimo que pasó fue a Tití Fernandez (cantante aficionado) e igualmente comenta que con los nuevos formatos la música no va a depender de un hombre que fuma habanos detrás de su escritorio.

El cierre a cargo de Charly y aplausos de talle recital.

+ Fotos de “200 Latidos” cortesía de UE Siglo 21

> Cobertura iPhone

Cuando The Tristes son otros

In Cobertura iPhone, Exclusivos, Paladar mostaza on 31 julio, 2010 at 2:03 PM

La vida de pavimento me alejó de casa pero me dio dos amigos (y mas también). Pero en realidad la luna se empeña en volverlos uno, sospecho que es uno desdoblados en dos tiempos o quizás sean dos que se unen quien sabe a razón de que, en un estilo o un sonido. La noche se freeza y respira. El transductor electroacústico tiene feedback con The Tristes.

El hogar se empapela con la lista de temas en sus paredes, allí yacen retumbando recuerdos y esperando ser resucitadas. Un cajón de cerveza se cubre con una tela para convertirse en futón de kiosko, así como el talento se acomoda por sobre aquellos que desde la mesa junto a la ventana no ostentaban la gira que hoy los presenta aquí y conecta con la vereda del rock.

No hay torre de parlantes mas alta que la pasión de los artistas que esta noche son estrellas en El Galpon suburbano. Es noche de amigable rock con The Tristes, Germán Arrascaeta (voz) Raúl Guzmán (guitarra), Seba Tranchet (guitarra), Carlos Sada (bajo), Ignacio Ortíz Morán (batería), Martín Caramaccio (teclas) están listos. Merodean el escenario y buscan el túnel sin luz, el Coliseo sin multitud.

El artista cumple con el rito: el brindis, el abrazo y agradecimientos desmedidos cuando somos nosotros los que nos sentimos acompañados esta noche solitaria. El hielo despide de la barba y la euforia le gana al frío en la garganta.

Pocos entenderán la adrenalina, nadie calculará acertadamente la pasión. El talento y la pasión no conocen de tamaños cuando se trata de escenarios, esta y ninguna noche. La Tristeza se vuelve acordes y los sentimientos letras inconclusas.

“Desvelos de gloria.. Canciones al palo.. Algo que nos haga felices.. Que disuelva tus grises..”

La cara de los novatos del lugar se sorprenden al descubrir que el no se mintió al decir que su voz cataloga de buena para arriba con gran personalidad. Y el puño en el aire libera al mic mientras Lennon salta desde una remera al pie del escenario volviendo a soñar al repetir la letra.

The Tristes on the stage

El bajo se luce y el negro funde en una remera pegada sin sufrir la edición que a diario lo ata. Salta, gira y vibra entregando todo. Contorneados en rojo esta noche el cuerpo duerme y sueña.

“Que nos saque de pobres.. Rimas que te paguen un sueldo.. Radios que transmitan tu furia..”

Con la voluntad no alcanza para enmendar el caos, el secreto esta en flotar. Amigos, amantes y compañeros del intento de las rimas eclécticas en todos los puntos cardinales del salón.

“Nos volvimos más pop”, reconoce en una entrevista el frontman Arrascaeta, “pero curiosamente no nos ablandamos. Es raro, ¿no? La influencias son las de siempre: The Replacements, Hüsker Dü, Echo & The Bunnymen entre tantísima música que pulula por nuestros corazones”. Quizás sea difuso el recuerdo cuando a los 16 se subió a su primer escenario, pero anoche con 41 años seguramente lo intenso se volvió a repetir.

“Combatís al capital sin salvar contradicciones.. Te encuentro de madrugada tomando en la avenida.. Los sentidos suspendidos no hay piedras en el zapato..”

Para este Ryan Adams cordobés, con gestos de enigma y que no teme brincar sin vergüenza con su manos arqueadas como arabescos que se posan en un oso, quizás no haya dueto con Norah Jones pero le lloverán abrazos al bajar. De amigos, visitantes y adolescentes que chocaron hombros con él mismo en el pogo que como vicio constante no quiso estar ausente.

“Stanley Kubrick lo filmo.. De todo menos dormir.. No se puede reaccionar con las pestañas tan tiesas.. Se hace humo.. esta vida Highlander”.

En el Billboard de la entrega The Tristes sigue escalando, esta nota no promete éxitos, solo diapositivas que valen la pena volver a ver, para que el ritmo te tome de la mano y sus letras te taladren los pensamientos calmos.

+ Escucha lo nuevo de The Tristes

+ Fotos de The Tristes

Entrevista con Germán Arrascaeta – The Tristes en CordobaRock.com.ar

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El arte fue obra de la artista plástica Alejandra Bredeston; el diseño corresponde a Karina Mana

“Eramos unos niños” las memorias de Patti Smith con Robert Mapplethorpe

In Paladar mostaza on 12 julio, 2010 at 8:22 AM

Patti Smith and Robert Mapplethorpe, New York City 1969

Patti Smith sí que sabe de buenos comienzos. “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos”: así empezaba su poema “Oath”. Esto viene a cuento porque la cantante, poeta y artista plástica publicó hace poco unas memorias de sus días junto al fotógrafo Robert Mapplethorpe, cuya traducción acaba de ser editada bajo el título Eramos unos niños.

Smith vuelve a sacar de su frondosa imaginación uno de esos inicios demoledores, imposibles de borrar de la memoria: “Yo estaba durmiendo cuando él murió”, escribe en el prólogo.

Portada de "Eramos unos niños"

El prólogo ocupa apenas una página y media de las casi trescientas de Eramos unos niños, pero marca el tono que la siempre poética Smith le imprime a todo el libro. Esta es la historia de dos seres unidos por su amor por el arte, que fueron capaces de sobreponerse a situaciones complejas (ella, un embarazo temprano; él, la homosexualidad que reprimía) y canalizar a través de poemas, pinturas, fotografías y canciones todo eso que latía dentro de ellos.

Patti y Robert, cuando eran unos niños, confluyeron en Nueva York, que en los inicios de los ’70 era la meca del arte pop, con Andy Warhol como Midas que operaba desde su Factory de paredes plateadas. En esa ciudad que nunca dormía –porque parecía estar siempre creando, transpirando sexo o drogándose–, estos dos descastados se conocieron cuando ella entró a la habitación de Brooklyn en la que, se suponía, vivían unos amigos.

En cambio, ahí estaba él, dormido en una cama de hierro. “Era pálido y delgado, con una oscura mata de pelo rizado. Tenía el torso desnudo y collares de cuentas alrededor del cuello. Me quedé quieta. El abrió los ojos y sonrió.” Ella se fue con la dirección donde buscar a sus amigos. Más tarde, él entró a comprar un collar persa –al que ella le había echado el ojo– a la sucursal de la librería Brentano’s en el que Smith era cajera. “No se lo regales a ninguna chica que no sea yo”, le dijo ella. “Descuida”, contestó él con una sonrisa.

El tercer encuentro fue más “aventurero”. Ella no tenía ni siquiera dónde dormir, por eso solía escabullirse en la librería sin que se dieran cuenta los encargados de bajar la persiana, y su dieta distaba mucho de ser la adecuada. Un supervisor de Brentano’s le había presentado un escritor de ciencia ficción que la invitó a comer.

“Pese a tener veinte años, la advertencia de mi madre de que no fuera a ninguna parte con un desconocido resonó en mi conciencia –recuerda Smith–. Pero la perspectiva de cenar hizo que flaqueara y acepté.” Después de comer pez espada, el hombre le sugirió que subieran a tomar una copa a su departamento.

“Miraba frenéticamente a mi alrededor, incapaz de responderle, cuando advertí que se acercaba un joven. Fue como si se abriera una puertecita del futuro y de ella saliera el muchacho de Brooklyn que había elegido el collar persa, como una respuesta da la plegaria de una adolescente”, relata Smith, quien le pidió al chico que se hiciera pasar por un novio celoso antes de salir corriendo con él, lo más lejos posible del escritor despechado. Esa noche en que “Bob” la invitó con un egg cream se selló una amistad indisoluble.

Patti Smith ha sido acusada de acomodar la realidad a su medida, cuando no de mitomanía. Puede ser que “embellezca” las situaciones para adecuarlas a su mirada poética, en la que la mugre está ahí porque también estaba en las películas que la hicieron llorar. Como sea, en Eramos unos niños hace gala de su habilidad para narrar, y traslada al lector hasta el centro de esa relación que arrancó sexual y terminó en una profunda amistad, pero que siempre fue de un amor compartido por las artes, de apoyarse mutuamente, de trabajar (o de prostituirse, en el caso de Mapplethorpe) para poder pagarse los elementos con los que crear.

Patti Smith and Robert Mapplethorpe, New York City 1969

Con sus frases certeras, Smith también hace un recorrido por la Nueva York de inicios de los ’70. Lleva de la mano por las librerías en las que trabajó, la incipiente escena rockera que desembocaría en el punk, el Max Kansas City en el que Warhol reinaba desde una mesa redonda en el VIP o el célebre hotel Chelsea –donde ella y Mapplethorpe vivieron un tiempo– repleto de freaks y celebridades.

Y también instala al lector en los estudios Electric Lady, adonde conoció a Jimi Hendrix durante la fiesta de inauguración –él se había escapado del bullicio, ella no se animaba a inmiscuirse–, justo antes de la muerte del guitarrista, y donde unos años después grabaría Horses con John Cale como productor.

Eramos unos niños es, además, la crónica del despertar de Mapplethorpe como gay y como fotógrafo. “Yo sólo lo miré, sin comprender. No había nada en nuestra relación que me hubiera preparado para semejante revelación”, confiesa Smith, quien siguió siendo amante de su amigo Bob durante un tiempo, mientras él dejaba salir su sexualidad reprimida.

Y era ella quien le insistía para que le prestara atención a la fotografía, cuyo proceso le resultaba demasiado molesto al ansioso Mapplethorpe. El libro refleja, también, el ascenso de ambos como artistas, cuando ella comenzó a cantar en recitales de poesía y luego formó su banda de rock. Y durante, sus encuentros como Janis Joplin, Sam Shepard, Jim Carroll, Allen Ginsberg…

A Mapplethorpe le costó más “llegar”, porque recién cuando le regalaron una Polaroid que también tenía negativo pasó a centrarse en la fotografía. “Yo no había anticipado la absoluta entrega de Robert a los poderes de la fotografía –narra Smith–. Lo había animado a hacer fotografías para que las integrara en sus collages e instalaciones, con la esperanza de que tomara el relevo a Duchamp.

Pero Robert había cambiado su centro de atención. La fotografía no era un medio para alcanzar un fin, sino el fin mismo.” Cuando Smith publicó su primer poemario, y más tarde su primer álbum, las fotos de tapa fueron de Mapplethorpe. La historia detrás de la imagen andrógina de Horses es bastante más sencilla que el impacto que provoca todavía hoy, pero más todavía es la revelación de la cantante acerca de esa foto famosísima: “Cuando ahora la miro, no me veo nunca a mí. Nos veo a los dos”.

Mapplethorpe, mientras tanto, había comenzado a desarrollar sus imágenes sadomasoquistas, ésas que impactan a muchos de los visitantes a la retrospectiva Eros and Order, que actualmente puede verse en el Malba. “Robert no era un mirón –-asegura la cantante en Eramos unos niños–. Siempre decía que tenía que participar de una forma auténtica en las obras que surgían de su interés por el sadomasoquismo, que no había fotografías por sensacionalismo ni se atribuía la misión de contribuir a la aceptación social del sadomasoquismo. No creía que debiera aceptarse y nunca pensó que su mundo clandestino fuera para todos.”

Smith admite que le costaba “compaginar” al nuevo Robert con el muchacho que había conocido. “Y, no obstante, cuando miro la obra de Robert, sus modelos no dicen ‘Lo siento, estoy enseñando el pene’. El no lo siente ni quiere que nadie lo haga. Quería que sus modelos estuvieran satisfechos con sus fotografías, se tratara de un sadomasoquista que se metía clavos en el pene o de un glamoroso famosillo. Quería que todos sus modelos estuvieran seguros de su relación con él.”

Mientras él cobraba fama por su trabajo, ella tenía su hit “Because the Night”, compuesto a medias con Bruce Springsteen. “Robert estaba claramente orgulloso de mi éxito. Lo que quería para sí, lo quería para los dos. Exhaló un hilo de humo perfecto y habló en un tono que sólo utilizaba conmigo; un tono de reproche mezclado con perplejidad, una admiración sin envidia, nuestro lenguaje de hermanos. ‘Patti –dijo, arrastrando la voz–, te has hecho famosa antes que yo’.”

Después de ese momento crucial, en apenas unas líneas, la cantante narra su alejamiento del mundo del rock para vivir junto a su marido Fred Sonic Smith (guitarrista de los MC5) en Detroit. Y después, el capítulo final de Eramos unos niños, con otro de esos comienzos que golpean:

Robert supo que tenía sida al mismo tiempo que yo descubrí que estaba encinta de mi segundo hijo”. “Era 1986, finales de setiembre, y los perales estaban cargados de fruta”, recuerda ella. En ese momento, junto a su esposo trabajaban en el disco Dream of Life, y él sugirió que llamara a Mapplethorpe para que hiciera la foto de portada.

Cuando recibió la noticia de que su amigo estaba internado, Patti quedó “aturdida”. “Me puse la mano en la barriga de forma instintiva y empecé a llorar.” Sus últimos encuentros, las últimas polaroids, la certeza de que él iba a morir, la última imagen de él, tan parecida a la primera (“un joven dormido bañado de luz, que abrió los ojos y sonrió con complicidad a una persona que jamás había sido una desconocida”): hasta el lector más duro se quiebra con las palabras de Smith.

Si hasta se puede imaginarla llorando mientras tipiaba en su máquina de escribir estas palabras que suenan a autorreproche: “¿Por qué no puedo escribir algo que resucite a los muertos? Ese es mi afán más hondo”.

+ No dejen de visitar en el Museo MALBA la muestra Eros and Order (Figueroa Alcorta 3415, hasta el 2 de agosto)

Fuente: Diario Página/12

Mercedes Sosa vuelve a cantar por la independencia este 9 de Julio

In Derecho a Replica, Exclusivos, Prosas Propias on 9 julio, 2010 at 10:14 AM

Argentina festeja otro aniversario de su Declaración de la Independencia de 1816 y se recuerda casi como un símbolo nacional el nacimiento, en fecha y tierra patria, de Mercedes Sosa. La ceremonia se repite y su voz se espera, otra vez y siempre, porque es a través de sus cantos que los colores patrios se potencian y recordamos lo que nos queda por hacer para poder festejar.

Mercedes Sosa y Argentina en 9 de Julio

Te nos fuiste demasiado pronto

La luna volverá a salir en Tucumán y ella hará tronar las estrofas en su garganta. Su voz sin duda es representativa de nuestra geografía, porque nace como el viento entre los cerros de la puna, pasea descalza por los valles calchaquies, coquetea su canto en las sierras pampeanas y potencia el sentir patrio junto al paisaje heroico de la Cordillera de los Andes.

Argentina festeja otro aniversario independentista y el sentir popular se resiente porque ella no está. Justamente ella, que compartió cuna con la independencia, nacida en San Miguel de Tucumán un 9 de julio. Su destino era ser emblema patrio.

Porque todavía lloran muy abrazados aquellos que la escucharon cantar como la cigarra con la vuelta de la democracia como símbolo de la resurrección nacional. Porque todavía agitan su voz los que la postulan desde sus cantos como bandera del furor político latinoamericano.

En el último trimestre de 1983, se conoció “Mercedes Sosa, un disco en el que registró varias canciones que serían algunos de sus grandes éxitos: “Un son para Portinari”“Maria Maria”. También en esa recordada placa grabó: “Inconciente colectivo”, de Charly García, “La maza”“Unicornio”, de Silvio Rodríguez, “Corazón maldito”, de Violeta Parra y “Me voy pa’l mollar”, junto con la recordada cantante Margarita Palacios.

Desde el punto de vista discográfico, “¿Será posible el sur?, entremezcla las canciones esperanzadas, los ritmos folklóricos y el canto latinoamericano a la perfección y en “Vengo a ofrecer mi corazón, registra canciones trascendentales como la de Fito Páez que le da título al trabajo, pero también “Razón de vivir” “Madre de madres”, de Víctor Heredia, “Entre a mi pago sin golpear”, de Carlos Carabajal y Pablo Raúl Trullenque,“Canción para Carito”, de Antonio Tarragó Ros y León Gieco.

Escuchar sus canciones

Hoy se siente que te nos fuiste demasiado pronto porque aún no nos hicimos hermanos de la vida, cada vez son menos los creen en la locura y la esperanza, porque en esta cintura cósmica es donde aún no nos respetamos o toleramos como debiéramos, porque en las próximas dos horas un niño morirá desnutrido en nuestro país mientras un legislador busca salir favorecido al gobernar para una corporación.

Tu don fue la fuerza para alertar desde el canto, porque siempre hacen falta tus sueños. Porque todo cambia en este mundo pero seguimos con la duda si es posible el sur, si lograremos unirnos en pos de nuestra propia independencia y volvemos a detenernos en vos, en el jardín de la república para pensarnos.

Te extrañamos vestida de mar para que nos reproches y nos invites a cantar como hermanos, para que nos recuerdes que nuestra piel es la latinoamericana y nos despiertes de ese letargo que nos impide saber que existe un mundo para pensar desde nuestro lugar y para nosotros.

Independentista

En un país que sintió la cara contra el asfalto y una bota en la nuca; que es aturdido por el canto de la hinchada; que no conoce de matices sino que gesta especialistas pendulares de la opinión y el derrotero; es sin duda un logro haber llegado hasta acá. Porque no fueron fáciles los 200 años, pero sigo pensando que con el Bicentenario algo puede haber cambiado o al menos nacido en algunos.

Confío que podemos construir de mejor manera los 100 años venideros, algunos pensarán que no es posible encender las luces de este amor, pero el aire se va transformando y son (seremos) las generaciones que vienen aquellas que completen lo iniciado en 1816.

Porque la declaración de Tucumán fue apenas un paso y porque le siguieron años muy turbulentos. El papel firmado por los representantes (la declaración se distribuyó entre los pueblos en castellano, quechua y aymara) sentó las bases del orden político que seguiría el país pero más de sesenta años de guerras civiles, represión y genocidio tuvieron que pasar para lograr cierta estabilidad social.

Ahora en un nuevo siglo los temblores políticos persisten pero sin represión, con la libertad que somos capaces de darnos, y si en cada conversación, cada beso, cada abrazo logramos imponer un poco de razón quizás podamos cultivar nuestra democracia y seguir construyendo nuestro país.

Hoy las provincias deben lograr ser políticamente soberanas y económicamente independientes traduciéndolo a nivel país. Hoy debemos declarar solemnemente a la faz de la tierra, que es voluntad unánime e indubitable de estas Provincias romper los violentos vínculos que los ligaban a los reyes de España, recuperar los derechos de que fueron despojados, e investirse del alto carácter de una nación libre e independiente.

Hoy los reyes lucen otras coronas, torturan con nuevos métodos y han logrado instaurar su paradigma. Los años pasan y puede ser que algunas discusiones se vayan perdiendo pero debemos recordar el rumbo, animarnos a abrir las venas, entablar el canto latinoamericano, ese de La Negra, y completar nuestra independencia.

Gracias por la inspiración a Horacio y este video final a @delestero

3er Congreso Iberoamericano de Cultura

In Paladar mostaza on 5 julio, 2010 at 4:39 PM

Sucedió en Medellín, Colombia, el 3er Congreso Iberoamericano de Cultura con la intención de lograr un diálogo entre las voces artísticas de la región, sosteniendo que puede ser el medio por el cuál nuestros países quizás acerquen posiciones, definan objetivos compartidos y ejecuten planes conjuntos.

Un manojo de artistas se apoderaron de las calles y los espíritus durante estos días en los que también se redactaron documentos de compromiso entre ministros de Cultura de todos los países de la región.

“La música convoca, comunica y une a pueblos. Genera sensaciones, sentidos, identidades y valores culturales. La música es el lenguaje común de los seres humanos. Ritmos, acordes y sonidos muestran la riqueza y diversidad de nuestras músicas”

El encuentro se desarrolló desde el 30 de junio hasta el 4 de julio en la ciudad de Medellín, utilizando la música como eje central pero concretando alrededor de 70 actividades que tuvieron como punto de inicio siempre la cultura latinoamericana. Se construyó un excelente foro para debatir y compartir visiones sobre lo acontecido en torno a la cultura en nuestros países.

Los ejes temáticos del 3er Congreso Iberoamericano de Cultura fueron los siguientes y aquí sus planteos iniciales:

Como hijos de la mezcla, nos hallamos ante una inmensa polifonía de voces entrecruzadas, de estéticas múltiples y pluralidades sonoras, donde tienen cabida la creación y la memoria, la tradición y la modernidad, lo popular y lo académico. El Congreso debe convertirse en un espacio intermediario para el encuentro y la manifestación de la diversidad de lenguajes, prácticas y corrientes de las músicas de Iberoamérica y en un escenario para que los jóvenes creadores puedan ofrecernos su visión de la estética, la música y la sociedad.

Las nuevas tecnologías de la información y la comunicación han impactado de manera determinante la industria de la música, generando cambios vertiginosos en los modos de producción, circulación y consumo. La venta de compactos cae dramática e irreversiblemente, los grandes sellos transnacionales entran en crisis, los almacenes cierran, pero al mismo tiempo existe una explosión creativa inédita y músicos independientes acceden a tecnologías de grabación más económicas y asequibles, y circulan sus músicas por redes virtuales. ¿Cómo afrontan los diferentes actores de la música estos cambios?

La musicalización ciudadana es el mayor propósito de los procesos de educación estética y musical. Es el resultado de la articulación de las esferas de la formación, la investigación y el acceso de la población a la música. Durante el Congreso se abordará la reflexión sobre la educación como motor de la transformación social: enfoques de la educación musical en sus diversas modalidades y su relación con los procesos creativos, productivos y de investigación. Asimismo, se hablará sobre el papel del Estado, de las instituciones públicas y privadas, y de las comunidades en el fortalecimiento de las diversas prácticas musicales.

La integración económica y cultural iberoamericana debe ser sustentada por legislaciones, acuerdos internacionales y demás documentos que protejan la producción, diversidad y acceso a la música en la región. Necesitamos repensar las relaciones entre Estado, mercado y comunidad para formular estrategias de articulación que busquen una estructuración sistémica del campo de la música. Iberoamérica necesita con urgencia implementar proyectos multilaterales de cooperación para el intercambio de expertos, hacia el fortalecimiento de modelos y sistemas actuales.

"La música acompaña los movimientos de la gente" León Gieco

Fito Páez tuvo a cargo el cierre bajo la lluvia

Lo que pasó

En el show inaugural actuaron Silvio Rodriguez, Jorge Drexler y León Gieco, mas el encuentro de Zona de Riesgo como experimento creativo que continúa creciendo, pero en los días siguientes hubo un recital sinfónico y hasta un concierto denominado pacífico – caribe. El cierre estuvo a cargo de Fito Páez en el escenario iberoamericano bajo un diluvio tan eufórico como el público que disfrutó durante todas las actividades.

Pero mas allá de tener como hilo conductor a la música, el encuentro contó con 12 talleres de pedagogía, lutería, periodismo cultural y dirección orquestal entre otros. La intención de construcción política alrededor de la identidad regional corrió por cuenta de los ministros de diferentes países que se dieron cita y concluyeron en una serie de puntos de cara al futuro.

Ministro de Cultura argentino Jorge Coscia y su par colombiana Paula Moreno

La denominada declaración de Medellín consta en 9 puntos que plantean la necesidad de un Comité Permanente de Trabajo para elaborar un proyecto para fomentar las músicas iberoamericanas además de considerar la iniciativa de estudiar la constitución del Fondo Iberoamericano de Cooperación para la música y de esta manera promover una ciudadanía musical que, a través de los procesos de creación, producción, promoción, circulación, acceso, salvaguarda o consumo, potencie mejores posibilidades para las músicas iberoamericanas.

“Nos llevamos una visión clara de los desafíos que tenemos como región. Estamos convencidos de que los países iberoamericanos tienen la opción histórica de acudir a un espacio cultural común, suficiente para construir sinergias en el acontecer social y económico y para equilibrar el diálogo y las relaciones de intercambio. Y queremos llevar los documentos a acciones concretas” sintetizó Consuelo Saizar, presidenta del Consejo Nacional de las Artes y Cultura de México terminando la reunión.

+ Sitio oficial del Congreso muy recomendable y con mucho contenido

+ Programa oficial del Congreso (PDF)

+ Info del Ministerio de Cultura (Argentina)

+ El Congreso en cifras

+ La declaración de Medellín completa

+ Lo dicho en Twitter del #CongresoCultura

Lo que viene

Además se presentó a la Argentina como sede del IV Congreso, que se realizará del 20 al 24 de mayo de 2011 en Mar del Plata, y el Mercado de Industrias Culturales Argentinas, entre el 26 y el 29 en la Ciudad Cultural Konex, teniendo como ejes la cultura, la política y la participación popular.